우발적 커뮤니티 Movement, Contingency and Community
참여작가: 잔 알타이Can Altay, 니나 카넬Nina Canell, 루노 라고마르시노 Runo Lagomarsino, 지미 로버트Jimmy Robert, 이주요Jewyo Rhii, 이우연Wooyeon Lee, 피진 콜렉티브Pidgin Collective
기획: 김현진
2008.9.5_11.9 2008년 광주 비엔날레 '길 위에서'
움직임, 우발성 그리고 공동체
김현진
"부서지기 쉬움과 불확실성 가운데에서의 벌거벗음. 가장 밝힐 수 없는unavowable 유대관계에 낯선 것이 있고, 동시에 가장 평범한 만남에 낯선 것이 있다. 그러한 낯선 것, 즉 당황스럽고 혼란스럽게 만드는 낯선 것에 노출된, 뚜렷이 내비치는 벌거벗음."
-장 뤽 낭시, <마주한 공동체 La Communautée affrontée>
"당신은 어떻게 사랑의 감정이 솟아날 수 있냐고 물었다. 그녀는 당신에게 대답한다. 아마도 우주의 논리 속에서 갑작스럽게 균열이 생김으로써... 예를 들어 실수로... 결코 의지로는 아닌." -마르그리트 뒤라스, <죽음을 가져오는 병>
"공동의 것이 될 수 없는 낯선 것이 영원히 일시적일 수밖에 없으며 언제나 이미 떠나 있을 수밖에 없는 공동체를 세운다"
-모리스 블랑쇼, <밝힐 수 없는 공동체 La Communauté Inavouable>
<우발적 커뮤니티 Movement, Contingency and Community>라고 이름 붙여진 이 전시는 7명의 작가들과 더불어 보다 초월적인 커뮤니티의 가능성에 대하여 접근해본다. 일반적으로 언급되는 공동체의 개념은 무엇에 귀속되거나 그것을 위해 작동하는 축소된 형태의 사회적 연합으로 등장한다. 그러나 이 전시가 바라보는 공동체는 어떠한 목적이나 과제를 수행하거나 어떤 생산적 가치를 지향하지 않는다. 오히려 이러한 커뮤니티는 낯선 자 혹은 모르는 자에 대한 우정이나 연인들의 사랑처럼 이질적인 결합이나 반사회적인 측면들 속에서 내밀함을 갖는 무엇으로, 어떤 밝힐 수 없는 공동체모리스 블랑쇼, 혹은 공동-내의 -존재장 뤽 낭시들의 보이지 않는 관계로부터 마련된다. 이것은 예측할 수 없는 움직임으로부터 오며, 잠행적인 개별자들의 우발적 조우의 순간, 그리고 그러한 상황 속에 확인되는 존재적 수행, 진정한 나와 타자와의 마주함 안에서 확인될 수 있다.
부재의 공동체에서는 어떤 공동체의 작업도, 작업을 통해 공동체도, 커뮤니즘도 그 자체를 충족시킬 수 없다. 오히려 공동체에 대한 혹은 공동체를 위한 열정이 그 자체를 배태시키며, 목적이 없이 등장하거나 모든 한계와 개인의 형식 속에 밀폐되어진 모든 충족을 뛰어넘을 것이 요구된다. 이것은 따라서 진정으로 부재해있는 것이 아니라 하나의 움직임movement이다. 그것은 단일한 "활동"을 하지 않는다. 이것은 증식하는 것이거나 혹은 감염되는 것이며, 혹은 그 스스로만을 증식하고자 하는 공동체를 위한 의사소통에는 반(反)하지만, 그것의 개입 자체에 의한 접촉을 소통하는 것이다.
-장 뤽 낭시, <무위의 공동체>
이러한 공동체의 모습은 균열과 기이함을 지니며 이질적이며, 비균질적이고 비대칭적이며, 비약적인 관계들 또한 내포하고 있다. 예측할 수 없는 수많은 계기 가운데서의 우발성, 이것이 마련하는 새로운 공동체의 가능성 속에는 어떤 운동성 또한 포착된다. 이탈리아의 철학자 조르지오 아감벤Giorgio Agamben은 운동movement의 개념을 고찰하면서 "운동이 거기에 있는 것처럼 보일 때 운동은 거기에 없으며, 운동이 거기에 없는 것처럼 보일 때 운동은 거기에 있다."라고 언급하며(아감벤의 "운동에 관하여", 파도바에서의 강연문, 2005년), 진정한 운동은 잠재태로서의 잠재태의 구축이라고 말한다. 그에 반해 일반적으로 일컫는 운동이 있는 곳에는 사람들을 자르고 분할하는 단절이 있으며 이 경우 적을 명확하게 하게 되고 여기에서 다시 운동은 비정치적인 것 즉, 대중이나 사람들에 대해 정치적으로 결정을 내리는 문제점들이 발생하며, 때문에 역설적으로 운동이 시작되는 곳에서 민주주의는 끝난다고 지적한다. 그리고 이러한 문제점 때문에 운동의 개념이 존재론적으로 재정립되어야 한다고 역설한다. 따라서, 여기서 이야기하는 운동이란 구체적인 목적을 띄지 않고도 서로의 존재를 확인하면서 태동 가능한 무엇이다. 또한 이것은 냉철한 인식과 존재적 실천을 통해 개입해 나가는 단독자들의 결합으로, 이들은 자기 가운데서 타자를 호명한다.
이것은 동시대 현대미술의 한가운데서 새로운 인식과 존재적 접촉을 시도하는 주변부로부터 우리의 삶 속에 들어오는 작가들의 작업 속에서 발견해 볼 수 있는 것이기도 하다. 근본적인 미술의 존립 가치는 무엇으로의 잠재적 변화, 혹은 무엇에 대한 인식적 전환을 위한 가능성을 내포하는 데 있으며, 작가들의 다양한 성찰과 그 성찰을 수행하는 진정성 있는 작업들은 바로 이러한 미술적 가치의 핵심에 놓여 있다. 이 전시에 등장하는 작가들 - 이우연, 잔 알타이, 이주요, 지미 로버트, 니나 카넬, 루노 라고마르시노,
피진 콜렉티브 - 은 바로 개별적인 인격체들이 삶 속에서 마주하는 접촉과 그에 대한 정치적 사유, 그 우발적 사건 속에 잠재한 가능성, 나와 타자 간의 실존적 나눔의 양태들을 매우 섬세하게 인식하고 풍부한 층위의 미술 언어를 통해 드러낸다.
우발적 커뮤니티 전시에 들어서면서 관객들은 우선 이우연의 작고 연약하면서 단순한 형태를 띤 오브제, <컴 퀵 데인저 Come Quick Danger>의 알루미늄 반사판을 통해 반사된 강하고 공격적인 빛에 의해 눈의 편안함을 순간적으로 잃게 된다. 최근 일련의 작업 시리즈에서 작가는 무기와 군대 내의 형식적 요소들을 일반 오브제 형태로 간략화해서 그 공격성의 이미지를 역으로 탈각시키거나, 혹은 관련성이 없어 보이는 연약한 오브제 속에서 그것을 극대화 시키는 방식을 보여준다. 즉, 전쟁이나 무기의 폭력적 속성이나 양식이 가능해지는 조건이나 상황을 통해 일상 속 폭력의 양상을 실험하고 있는 듯 하다. "Come, Quick, Danger" 라는 말은 사실 SOS 구조 신호의 초창기 용어로, 이 강한 빛은 말 그대로 생존을 위해 자신을 알리는 신호이다. 그러나 연약한 몸체로부터 강렬하게 빛을 내뿜는 이 오브제는 자기 존재를 알리기 위해 오히려 전시장 초입에 눈의 지각을 방해하면서 관람객들에게 예상치 못한 극단적 공격성을 드러낸다. 즉, 이미 전시 내에서 자기 생존과 그를 위한 잠재된 파괴적 관계, 불완전한 공동성communalism을 예고하면서 관람객을 불편하게 맞아들이는 것이다.
반면, 잔 알타이의 작업 <나눔의 실행: 나를 흉내 내고 또 너를 흉내 내기 Exercises in Sharing: Aping Me, Aping You Too>는 도시 내에 자율적으로 거주하는 동, 식물을 통해 확장된 도시 공동체의 관계들을 탐색한다. 작가는 비대칭적이나 어느 정도의 구획된 도시 구조를 상징하는 원목 구조물을 세운다. 그리고 동, 식물, 비가시적 도시의 일부를 기록한 사진들을 그 나무 격자 사이에 붙여놓거나 비디오 작품을 함께 보여주는데, 이 구조물은 종종 홀로 서거나, 또는 기둥에 연결되어 기생하듯 지지를 받아 세워지기도 한다. 아일랜드의 한 도시에서 밤을 배회하는 여우와의 마주침, 영국의 작은 도시 내 보도블록 사이를 뚫고 존재하는 이름 모를 풀들의 도시 내 자율적 생존, 인간과의 보이지 않는 공동 거주co-habitation 등이 바로 사진과 비디오 속에 드러나며, 공원 근처 레스토랑 테이블 사이에서 살아가는 비둘기의 기생적 삶이 동시에 병치되어 있다. 작가는 이를 통해 인간 위주의 도시 인식으로부터 주변화되어 있는 인간 외적 존재들과의 공동의 삶과 나눔에 대한 인식을 일깨운다.
한편, 작가 이주요는 신체적으로 작고 약한 그녀가 자기 존재와 타인을 동시에 서로의 신체들을 이용한 자세들을 통해 치유하는 방법을 제안하는 벽 드로잉과 다양한 크기의 나무 패널 드로잉을 섞어서 설치하고 있는데, 이 <투 Two>라는 작업은 본래 드로잉 북에 담겨있던 그림들을 벽으로 확장한 것이다. 이 드로잉들은 매우 어눌한 선으로 유머러스하게 특별한 상황 내에서의 나와 타인의 결속을 드러내며 또한, 고통을 해소하는 방법에 관한 이야기들을 풀어내고 있다. 즉, 작가는 고립된 개인의 불안정한 심리상태,
육체적 연약함, 근원적 외로움을 타자와의 신체적 접촉과 감정적 교류, 해학으로 대치하면서 나아가 보는 이들과의 잔잔한 공감을 형성해 낸다.
지미 로버트의 작업 <찰탐 코트 Chartham Court>는 자신이 한때 5년간 거주했던 지역이자, 카리브 해 지역 흑인들과 백인 노동자들의 거주 지역으로 특징되는 런던 남부 브릭스톤Brixton 지역에서 자신의 이웃들을 16mm 필름에 기록한 - 본래 슈퍼 8mm로 촬영 후 전환한 - 작업이다. 이 작품은 수줍은 이웃들의 미소, 그들의 라이프스타일과 취향을 훔쳐볼 수 있는 의상이나 소품들, 카메라를 향한 사람들의 시선과 행동, 계단에서의 마주침, 창 밖 풍경과 건물 모습, 집 안 내부 등등을 관조적으로 담아내고 있다.
한 지역적 공간을 인종적, 계층적으로 공유하는 사람들 사이에서도 그 다양한 삶의 양태와 이질적인 인간들의 질감들을 한 편의 시처럼 기록해 낸 이 필름을 통해 우리는 또 한 번 공동체의 불가능한 동질성을 확인하게 된다.
니나 카넬의 네 가지 작업, <생각되지 않은 생각 Unthought Thought>, <향수에 젖은 소의 경우 The Case of the Homesick Cattle>, <손과 같이, 발과 같이, 눈꺼풀처럼, 윗니 아랫니의 정렬 같이 Like Hands, Like Feet, Like Eye-Lids, Like Rows of Upper and Lower Teeth>, <분리된 구성원 Separate Members>은 어떤 에너지의 생성과 소멸, 움직임의 정동과 긴장감, 유사한 조건 내의 비균일적 집합 혹은 같고도 다른 개체들의 접속 등을 함축하면서 전시장 곳곳에 흩어져 설치되어 있다. 은박지 위에 놓인 신발을 천장에 연결된 고무줄로 아슬아슬 들어 올리고 있는 <생각되지 않은 생각>과 구멍 난 양말이나 서로 다른 재료들로 싸여져서 만들어진 소리를 내는 작은 타악기, 마라카스가 한 줄로 철제 프레임 위에 꽂혀 있는 <손과 같이, 발과 같이, 눈꺼풀처럼, 윗니 아랫니의 정렬 같이> 등과 같은 작업에서 우리는 예기치 못했던 상이한 재료나 발견된 오브제들의 조합뿐 아니라 그 속에서도 예민하게 조율된 아름다움과 특이한 평정을 발견하게 된다. 또한, 다섯 개의 다른 스타일의 물통에서 물안개를 발생시키는 <향수에 젖은 소의 경우>이나 두 개의 수도꼭지가 빛나는 네온으로 비대칭적으로 연결되어 있는 <분리된 구성원>와 같은 작업은 서로 다른 모양의 개체이면서도 함께 비슷한 존재방식을 공유하거나, 연결을 통해 특별한 관계가 되는 상황을 드러내 보인다. 니나 카넬의 이 모든 작업들의 언어는 유사성과 상이성 사이, 동질성과 이질성 사이, 우연성과 개연성, 만남과 분리 사이에서 진동하며, 이들 간의 긴장 관계에 대한 작가의 기민한 사고를 통해 완성되고 있다.
1970년대 헬리오 오이씨티카의 작업인 <의사 시네마Quasi-Cinema>를 제목으로 차용하고 있는 루노 라고마르시노의 <근(近) 의사(擬似) 시네마 Casi Quasi Cinema>는 시대와 공간을 뛰어넘어 발견되는 불연속적이지만 가능한 참여와 연대감을 상상하면서 오늘날 반복되는 제국주의적 오류에 대한 비판을 텍스트와 사진 이미지, 슬라이드 프로젝션 설치로 구성하여 보여주고 있다. 프랑스의 식민주의를 비판했던 <알제리 전투 The Battle of Algiers>라는 영화가 미 국방성 내에서 미국의 이라크 전쟁의 승리와 이라크 내 방어를 연구하기 위해 하나의 예로서 선택되고 상영되었던 것을 알게 된 작가는 이 상황을 계기로 본 영화의 감독인 질로 폰테코르보와 가상으로 인터뷰를 시도한다. 이 작업은 역사적인 반제국주의적 영화가 그것의 적 즉, 제국주의자에게 이용되는 아이러니와 그 반복되는 부조리를 들추어내면서, 동시에 정치적, 미학적으로 연계 가능한 폰테네그로의 정치적, 예술적 레퍼런스들을 언급해 나가는데, 그러한 가상의 대화 속에서 그 영화의 구조를 통해 재현된 정치적 입장과 풍부한 미학적 층위를 일깨운다. 더불어 이를 통해 작가 역시 스스로의 후기 식민주의적 비판과 미학적 관심들을 드러내고 있는 것이다. 작가의 식민주의에 대한 비판적 인식은 <충돌의 개념: 피냐타의 춤 Notion of Conflict: Dance of the Piñata>라는 비디오 퍼포먼스에서도 드러난다. 피냐타 인형을 때리는 폭력적인 퍼포먼스를 기록하여 보여주는 이 작업은 잘 알려진 남미의 피냐타 놀이에 숨겨진 식민주의적 맥락 - 원주민을 기독교화하기 위한 교육의 수단으로 라틴아메리카에서 시작되고 이용되었던 - 을 역설적으로 폭력적 행위와 분노로 표현하면서 그 기만적인 식민의 역사를 압축한다.
피진 콜렉티브는 현실과 사회적 관계 속에서의 긴장관계들을 즐기면서 그 생산적 측면과 그로 인한 분열, 혹은 동요에 관심을 두고 사회-시각적 행동주의를 보여주거나 대안적 교육 활동을 펼쳐온 집단이다. 이들의 활동은 한편으로는 하자센터라고 하는 대안학교와의 관계 속에서 그 계기가 만들어지곤 했는데, 이번 전시에서 보이는 비디오는 어느 겨울 저녁에 학교 운동장에서 우발적으로 행해진 이벤트를 기록하고 있다. 피진은 클래식 테너를 초대해서 공사로 인해 황량하게 파헤쳐져 있는 하자센터 운동장 한편에서 일시적이고 작은 성악 공연을 벌인다. 그리고 모여든 대안학교 친구들은 고구마를 굽고 나누어 먹으면서 그 공연을 감상하게 되는데, 이 짧은 비디오 속에서 마침내 우리는 문화적, 계급적 차이나 위계와 같은 속물적 분리들이 무색해지는 이례적인 공존의 순간을 함께 경험하게 된다.
이와 같이 이 전시에 모인 작가들의 작업은 실질적 무엇에 기초한 동질적인 공동체를 강조하거나 그에 부합하는 관점을 작품에 직접적으로 투사하지 않는다. 그 때문에 미술계 내부에 이들의 자리는 아직 채 정의되지 않았으며, 어쩌면 영원히 무엇에 기초하지 않을 수 있다. 이들에게는 단일한 소속이나 지정학적, 국가적, 민족적인 결속과 같은 구체적 근거 또한 존재하지 않는다. 그보다, 이 작가들은 나와 타자, 그리고 다양한 외부와의 관계에서 진동하며, 그들의 작품 속에서 우리는 이미 우리 주변에 존재하는 다양한 존재들 의 모습과 그들과의 새로운 접촉의 가능성, 그에 대한 보다 진화된 인식, 그리고 부재하는 공동체의 비가시적인 연대를 위한 통로를 발견하게 된다. 이러한 면모가 단순히 이들 작품의 의미를 해석하고 그 내용을 파악함으로써만 확인되는 것은 아닐 것이다. 이들이 미술 언어를 다루는 섬세함과 냉철함, 미술에 대한 확신과 책임감, 진정성을 통해서도 또한 발의되는 것으로, 이것은 다시 이들의 세계에 대한 책임감, 작가적 윤리의 내용과도 맞닿아 있다고 볼 수 있다.
한편, 이러한 지점들이 전시라는 전형적인 형식을 빌어 등장하는 것이 어쩌면 본 기획의 한계일 수도 있을 것이다. 어쩌면 본 전시는 무엇을 떠난 만남 즉, 작은 무위의 공동체를 일시적으로나마 가시화해 보기 위한 핑계에 불과할 수 있다고 고백하고 싶다. 그저 또 다른 존재들이 이들의 작업 언어를 통해 바깥에서 또 다른 바깥을 향해 말을 건네는 단독자들 간의 대화를 목격함으로서 보다 깊이 있는 만남의 가능성, 그 의미와 조우하기를 기대해본다.
Movement, Contingency and Community
"The bareness amid the fragile and the uncertain. There is the unfamiliar in the most unavowable rapport, and
simultaneously, in the most ordinary meeting. Such a transparent nakedness, exposed to such unfamiliarity, that is, what makes you disconcerted and perplexed."
- Jean-Luc Nancy, 'La Communauté Affrontée'
"You ask how loving can happen -the emotion of loving. She answers: Perhaps through a lapse in the logic of the universe.
She says: Through a mistake for instance. She says: Never through an act of will."
- Marguerite Duras, 'the Malady of Death'
"The strange that cannot be communal constitutes the community that should be temporary for ever as well as be always left already."
- Maurice Blanchot, 'La Communauté Inavouable'
The exhibition titled Movement, Contingency and Community attempts to approach the possibility of more transcendent community with the seven artists. The general understanding of the concept of 'community' is limited to a simplified form or union of social association belonging to or functioning for something. However, in view of the exhibition, it neither performs any missions or tasks nor pursues any operative values; rather, it is more like a heterogeneous, or even sometimes an antisocial relationship which finds its ground in intimacy such as the 'friendship with strangers or unknown persons' or 'the passion between lovers.' Thus, it begins from the yet-visible relationship as in the so-called "unavowable community"Maurice Blanchot or "being-incommon" Jean-Luc Nancy. It comes from the unpredictable movement; it becomes perceptible or manifest in the moment of contingent encounter among insidious individuals, the ontological performance found in that situation and the face-to-face between the self and others.
Absence of community represents that which does not fulfill community, or community itself inasmuch as it cannot be fulfilled or engendered as a new individual...... In the absence of community neither the work of community, nor the community as work, nor communism can fulfill itself; rather, the passion of and for community propagates itself, unworked, appealing, demanding to pass beyond every limit and every fulfillment enclosed in the form of an individual. It is thus not an absence, but a movement, it is unworking its singular "activity," it is the propagation, even the contagion, or again the communication of community itself that propagates itself or communicates its contagion by its very interruption.
- Jean-Luc Nancy, The Inoperative Community
This kind of community harbors cracks and eccentricities; it is not only different, heterogeneous and asymmetrical, but also involves non-linear contingent relations. The contingency occurring in numerous unanticipated occasions opens the possibility of a new community, which also germinates some movement. In the discussion on the notion of movement, Giorgio Agamben observes that "when the movement is there pretend it is not there and when it's not there pretend it is, "adding that the genuine movement is "the constitution of a potenza as potenza (potentiality as potentiality)." In contrast with this, "where there is movement there is always a caesura that cuts through and divides the people, in this case, identifying an enemy," resulting in that the movement politically decides on the unpolitical-for example, the masses or people-and consequently and paradoxically, democracy ends when movements emerge (On Movement by Giorgio Agamben in the lecture of Padova, 2005). This is why he emphasizes on the ontological reestablishment of the notion of movement. In this sense, the idea of movement mentioned here is what may be in gestation with existential recognition of one another and without the accomplishment of concrete objectives. In addition, it is the conjunction of singular beings who intervene with hardheaded recognition, interpellating the other in the middle of the self.
This is also found in the works of the artists who in the today's contemporary art, enter into our life from the marginality, attempting contact with different cognition. The fundamental reason d'être of art lies in nourishing the possibility of prospective change to or epistemological turn to something. The artists' s various contemplations and their authentic works for carrying out them are the very core of this artistic value. The participating artists - Wooyeon Lee, Can Altay, Jewyo Rhii, Jimmy Robert, Nina Canell, Runo Lagomarsino and Pidgin Collective - very delicately perceive the rendezvous between individuals in life, the political thinking of it, the possibility hidden in the incidental event, and the mode of existential sharing between the self and other, as well as reveals all of them in the abundant layers of artistic language.
When entering the exhibition space, the viewers lose visual comfortability by the strong, aggressive light reflected from the circled aluminum panel of Come Quick Danger, that is, Wooyeon Lee’s object with a small, feeble, and simple shape. In recent series, the artist has simplified the formal elements of weapons and military equipment into common ordinary objects to eliminate their image of violence, or experimented on the condition or individual situation to germinate the attributes or modalities of aggressive wars or weapons as a way of maximizing what is latent in irrelevant-looking, weak and quotidian objects. As a matter of fact, the expression “Come, Quick, Danger” is an old military jargon for the SOS signal and thus, the strong light in this work is literally a desperate signal for help to give its location. However, the object here which gives off light intensely from its frail body near the entrance of the room impolitely interrupts the visual perception of the viewer and exposes the unexpected, extreme aggressiveness in order to make its own presence known.
Giving advance notice of its self-existence in the exhibition, the latent, destructive relationship for it and incomplete communalism, Come Quick Danger meets the audience in a quite uncomfortable manner.
On the other hand, Can Altay’s Exercises in Sharing: Aping Me, Aping You Too explores the relations among various urban communities extended through the invisible fauna and flora inhabiting urban spaces autonomously. The artist builds wooden structures with symbolic of a grid-like urban pattern. It sometimes stands by itself or it is sometimes parasitically sustained by a column. He displays his video works or photographs capturing the animals and plants in different city-regions, or the invisible parts of the city between grids of the structure. Curiously enough, what these videos and photographs show are neither pets at home nor plants raised in pots. Rather, they present the encounter with an urban fox wandering around Cork, Ireland at night, the autonomous existence of unknown grass growing between paving bricks in a small city in England, and their invisible co-habitation with man, juxtaposed by the parasitic life of doves living between the tables of a restaurant near a park. In this way, Can Altay awakens us to the recognition of the communal life and the sharing with non-human beings marginalized from the man-centered understanding of the urban setting.
Jewyo Rhii presents a series of drawings on the wall, together with drawings on the wood panels of different sizes, proposing the methods to heal both herself as a woman with a small and weak body and other people through various postures performed together using each other’s body. These drawings were originally in her book, Two but are enlarged and transferred on the wall of the exhibition. In this work, her very awkward lines humorously talk about a bond between two people in a particular situation, or how to alleviate a suffering together. Here, Jewyo Rhii seems to find a way to replace the unstable mentality isolated individuals, physical weakness, and the inherent solitude with the physical contact and emotional exchange with other people, and humor, thereby evoking gentle sympathy from the viewers.
Jimmy Robert’s Chartham Court is a 16mm film - which transferred from super 8mm film shot - that features the artist’s neighbors in Brixton in south London, known for its Afro-Caribbean immigrants and white working class residential area, where he himself once lived for five years. This film contemplatively exposes their shy smiles, clothes or props indicating their lifestyles and tastes, their gaze and behaviors toward the camera, encounters on the stairs, views and buildings outside the window, indoor scenes and so on. Capturing in a poetic way the various modes of life and textures of different people who share a local space in terms of race and class, Chartham Court once more convincingly persuades us of the impossible homogeneity of the community.
Nina Canell’s four works, Unthought Thought, The Case of the Homesick Cattle, Like Hands, Like Feet, Like Eye-Lids, Like Rows of Upper and Lower Teeth and Separate Members are scattered in the exhibition space, suggesting the formation and extinction of energy, the stillness and movement and the tension between them, the uneven sets in similar conditions, or the joint of same but different individuals. Unthought Thought , in which a tensed elastic band hung from the ceiling dangerously lifts the shoes on crumpled aluminum foil, and Like Hands, Like Feet, Like Eye-Lids, Like Rows of Upper and Lower Teeth where maracas, the small percussion instruments, covered with different materials are stuck into a steel frame, supposed to produce artificial sounds, make us find not only the unexpected combination of miscellaneous materials and found objects but also the finely-tuned beauty and the singular tranquility among them. And the works like The Case of the Homesick Cattle in which mist vapors from the water in five buckets and basins of different sizes and shapes and Separate Members which connects two faucets with glittering neon light asymmetrically represent the situation where individuals share the similar way of being or become a peculiar by being gathered or connected together though they have variant forms. The language of formality in all these works by Nina Canell oscillates between similarity and dissimilarity, homogeneity and heterogeneity, chance and probability, gathering and separation, and they are carefully accomplished with the artist’s keen understanding of the tension between these dispositions.
Runo Lagomarsino’s Casi Quasi Cinema, the title adopted from Hélio Oiticica's Quasi-Cinemas in 1970s, imagines the discontinuous but possible participation and solidarity irrespective of time and space, leveling a criticism against the imperialistic fallacies repeated today through the installation with texts, photographs, and slide projection. The artist happened to know the fact that The Battle of Algiers, the film on the Algerian resistance to French colonialism, was screened in the Pentagon to us as a means to develop the strategies to win The Iraq War and to fight Iraqi insurgencies. This led him to attempt to have a fictive interview with Gillo Pontecorvo, the director of the film, which comprises the main body of his Casi Quasi Cinema. It discloses the irony and its repetitive absurdity that the legendary anti-imperialist film was exploited by its enemy, imperialists, commenting Pontecorvo’s political or artistic references related to the possibility of the political implication or aesthetic engagement which the artist is also concerned about. The artist’s critical sense of
colonialism is also found in his video performance titled by Notion of Conflict: Dance of the Piñata. Here, the violent performance to hit a Piñata doll suggests a colonialist context hidden in the well-known Piñata play of Latin America - which began and was used as an educational means to Christianize the native Latin American people. Those very fierce actions and rages epitomize what people have been manipulated in their colonial history.
Pidgin Collective is an artists’ group who have carried out diverse socio-visual activisms and pedagogical practices in Seoul, fascinated by the tensions in reality and social relations but also by their productive aspects and the disruptions or disturbances engendered by them. Pidgin Collective’s activities have often been triggered in the relationship of an alternative school, Haja Center, which also appears in their video presented in this exhibition: a film documenting an accidental event occurring in the school’s playground in one winter evening. They invited a tenor-singer and held a temporary, small vocal recital in a corner of the playground which was desolately dug up during the construction. The students and people gathered, watched the performance and listened to his singing, roasting and eating sweet potatoes. This short video piece let us share a genuine experience of the exceptional moment of coexistence which at last breaks down all the snobbish distinctions such as different cultural position or class hierarchy.
In this way, the works of the participating artists neither emphasize a homogeneous community based upon something substantial neither directly project their viewpoints related to it on their works. Therefore, their positions in the art world have not yet been defined; or, perhaps, they would defer planting their roots anywhere forever. They hardly have concrete grounds such as sole affiliation, or geopolitical, state, and national bond. Rather, what is found in their works is the appearances of various beings surrounding us, the possibility of new contact with them, the more advanced understanding of them, and the passage for the invisible solidarity of not-yet-known beings or 'coming community.' The artists' thinking oscillate in the relationship between the self and others, or and the outside. These do not seem to become known only by interpreting the meanings of the works and grasp the contents. They require the recognition of the artists' delicacy and keenness in dealing with various languages, their conviction of and responsibility for art and their authenticity, which are also related to their responsibility and ethics for the world as artists as well as "being-in-common."
On the other hand, it might be the limitation of this attempt to show what is stated above through the traditional form of exhibition. I would like to confess here that this exhibition might be a pretext to visualize the meeting regardless of whatever it is, or, a small 'inoperative community', even though temporarily. I just expect that some another being will be able to encounter the possibility of more profound meeting as well as its meaning, by witnessing the dialogue among singular beings who speak to another outside from the outside.
덧글
2008/12/27 02:14 # 답글 
비공개 덧글입니다.